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Cosa influenza i nostri gusti musicali

La musica compare per la prima volta nella vita di una persona da bambino, quindi l'educazione gioca un ruolo importante nel plasmare i gusti di una persona. Maricz Kozak ritiene che "la musica che ascoltiamo nella nostra prima infanzia si conserva come una sorta di sistema melodico. Se in seguito ascoltiamo una melodia con un suono simile, è più probabile che evochi un'esperienza piacevole.
Secondo il sociologo statunitense Gerry Winstra, la stratificazione sociale gioca il ruolo principale nella scelta delle preferenze musicali. Ha condotto circa 1.500 sondaggi telefonici a Vancouver e Toronto e ha scoperto che "le persone a basso reddito sono più propense ad ascoltare musica country, disco e rap". I ricchi favoriscono il jazz, il reggae, l'opera e persino la musica pop. Ciò può essere in parte dovuto al fatto che i generi per i poveri si sono sviluppati più spontaneamente.
Inoltre, in Germania esiste il concetto di "momento chiave". Consiste nel fatto che in certi momenti le nostre preferenze musicali possono cambiare drasticamente sotto l'influenza delle circostanze. Per esempio, sotto l'influenza della colonna sonora di Guerre Stellari, molte persone hanno iniziato ad ascoltare molte più colonne sonore e musica sinfonica. Gli psicologi hanno notato che i giovani sono più inclini a farsi influenzare dal momento chiave. Ciò ha a che fare con una tendenza generale all'innovazione tra i giovani rispetto alle generazioni più anziane, ma anche con una visione del mondo meno consolidata e più ricettiva nei confronti della prima.

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Cosa ci dicono le nostre preferenze musicali sulla nostra personalità

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Gli scienziati americani hanno collegato l'ascolto della musica alla personalità. Hanno scoperto che le personalità estroverse erano più propense ad ascoltare musica jazz e pop e meno ad ascoltare il rock, perché meno adatto a creare legami sociali. Il rock e l'indie sono ascoltati da individui introversi, altamente creativi ma con una bassa autostima. Gli introversi con una maggiore autostima preferiscono la musica classica.

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Anche il genere musicale ascoltato dipende dagli psicotipi. Per esempio, la playlist delle persone sanguigne è molto varia e non è legata a una musica specifica, spesso molto diversa l'una dall'altra. Sono aperti a tutto ciò che è nuovo e insolito. I collerici scelgono più spesso generi aggressivi, come l'alternative e l'heavy rock. Inoltre, preferiscono la musica elettronica ai suoni della natura. I flemmatici si abituano a un particolare genere musicale e non lo cambiano nel corso della vita. È più probabile che scelgano suoni della natura e che usino la musica come sottofondo in luoghi affollati. I malinconici scelgono la musica in base al loro stato d'animo, che è altamente instabile. Tendono a dedicarsi alla musica classica e nei momenti di difficoltà ascoltano composizioni rock melodiche e gotiche.

Prima opera lirica
Prima opera lirica

La “scrittura di Euridice” è stata la prima opera lirica teatrale prodotta pubblicamente di cui sia rimasta traccia fino ai giorni nostri, ed è da essa che si può dire che si sia evoluta l’opera lirica. Il 6 ottobre 1600, la struggente storia d’amore dei personaggi mitologici Orfeo ed Euridice fu messa in scena a Firenze nell’ambito dei festeggiamenti per l’unione di Maria de’ Medici con il re Enrico IV di Francia.

L’evento si tenne in onore dell’unione di Maria de’ Medici ed Enrico IV di Francia. Comunque sia, gli eventi di quel giorno erano destinati a essere ricordati negli annali della storia della musica.

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Leggende su Orfeo, Euridice e altri personaggi

Il concetto di Orfeo era al centro di ciò che si sarebbe poi sviluppato agli inizi dell’opera contemporanea. La disponibilità della partitura di Euridice per la pubblicazione Lo spettacolo del 1600 presentava in varie parti la musica di Caccini. Caccini era il principale rivale di Peri alla corte fiorentina durante il loro periodo di permanenza.

Un prodromo del melodramma, il, anch’esso basato su un testo di Rinuccini, era stato messo in musica da Peri e Jacopo Corsi pochi anni prima, nel 1598; purtroppo la musica di quest’opera è andata quasi completamente perduta.

Dafne da sola Come si può notare, i racconti mitici o pastorali sono al centro dei primi tentativi di comporre tragedie in musica dall’inizio alla fine. Questo nel tentativo di creare un adattamento musicale della tragedia.

Oltre agli eventi descritti in precedenza, alcuni compositori si appropriarono rapidamente dell’antica storia di Orfeo ed Euridice (e continueranno a farlo in futuro). Il primo e più significativo fu Claudio Monteverdi che, nel 1607, creò la sua Orfeofavola per musica in un prologo e cinque atti per il Duca di Mantova, che era un avido spettatore di Euridice a Firenze. Questo pezzo fu scritto per il Duca di Mantova.

Si tratta del cosiddetto “Recitar cantando”.

La stagione tradizionalmente definita si stava concludendo e l’occasione era propizia per realizzare il progetto a lungo promesso nella conclusione del madrigale. L’occasione era propizia per realizzare il lungo progetto nella conclusione del madrigale.

Sebbene l’idea di indagare il rapporto tra poesia e musica risalga a tempi molto più remoti, fu solo nel 1573 che un gruppo di signori e intellettuali fiorentini iniziò a riunirsi regolarmente.

La Camerata de’ Bardi e le “Nuove Musiche”.

Per essere più espliciti, l’obiettivo della Camerata de’ Bardi era quello di ricreare l'”ambiente” delle opere greche tradizionali. Il conte Giovanni de’ Bardi fu l’ispiratore del nome del gruppo. Il libro “Dialogo della musica antica e moderna” scritto da Vincenzo Galilei, che era il padre di Galileo, è un eccellente resoconto dei temi trattati in queste discussioni.

Un’altra applicazione diretta di questi principi fu fornita da Vincenzo Galilei quando adattò alla musica il Canto dantesco del Conte Ugolino. La nuova strategia prevedeva l’analisi del modo in cui gli individui parlavano in base ai loro diversi stati emotivi, al fine di imitare i modelli di discorso naturali, tenendo conto anche dell’accessibilità della musica popolare.

Questo nel tentativo di imitare i modelli di discorso autentici (appunto recitar cantando). Era essenziale abbandonare le convenzioni convenzionali di elaborati contrappunti e sostituirli con uno stile monodico lineare e diretto, al fine di recuperare la funzione della musica come sfogo per la sola espressione delle emozioni. Giulio Caccini amplierà ulteriormente questi concetti nel suo libro “Le nuove musiche”, pubblicato nel 1602 e spesso considerato il “vero manifesto” della Camerata.

L’incanto del canto nell’opera. L’opera è un tipo di spettacolo dal vivo che combina un’ampia varietà di elementi musicali e drammatici. I cori possono anche salire sul palco insieme agli attori principali. L’uso di scenografie e costumi aiuta a trasportare il pubblico in una certa epoca e in un certo luogo.

Sono frequenti anche le scene o gli intermezzi di danza. Un libretto scritto in versi o in prosa funge da base per l’opera, che viene poi portata in vita attraverso l’uso della musica e del canto. L’opera è una forma di espressione artistica ricca ed emozionante, ma la sua realizzazione è difficile a causa della combinazione di tutti questi elementi (canto, musica, poesia, recitazione, pittura e danza).

musica lirica

Esistono molti nomi e approcci diversi: musica lirica

Nel corso della sua storia, l’opera ha modificato i suoi caratteri e il suo stile in accordo con l’epoca, il gusto, la regione e le consuetudini teatrali del momento. Alcune caratteristiche, come la necessità che la recitazione o l’espressione emotiva avvengano attraverso il canto e il fatto che la storia raccontata sia formata da diverse scene separate in atti, sono rimaste più o meno costanti.

Gli spettacoli d’opera sono spesso indicati con una varietà di etichette, e una particolare terminologia è utilizzata per caratterizzare lo stile di questi spettacoli e le sue caratteristiche distintive: Si può quindi parlare di opera seria, opera buffa o opera comica, intermezzo (sfarzoso spettacolo musicale in cinque atti con danze, scene sontuose, cori e un gran numero di cantanti).

La nascita

L’opera come la conosciamo oggi nasce all’inizio del 1600 con la Camerata fiorentina, un gruppo di poeti, musicisti e letterati che si riunirono a casa del conte Giovanni Bardi per cercare di far rivivere l’antica tragedia greca in forme nuove, incorporando poesia, musica, danza e azione scenica in un insieme coeso.

Gli eventi qui descritti si svolsero a Firenze verso la fine del XVI secolo. In contrasto con lo stile polifonico diffuso all’epoca (polifonia), l’obiettivo era quello di porre l’accento sulla voce solitaria nel canto monodico. Inoltre, l’obiettivo era quello di comporre una musica che si avvicinasse il più possibile a un testo poetico.

Le discussioni filosofiche che ebbero luogo all’interno della Camerata fiorentina fornirono l’impulso per lo sviluppo di un nuovo stile di esecuzione musicale.

Questo nuovo stile combinava un’impostazione spirituale con temi tratti dalla letteratura greco-latina con uno stile vocale in via di maturazione, in grado di trasmettere sentimenti e sfumature. Invece di essere rappresentate al grande pubblico, queste opere, note come racconti pastorali, venivano messe in scena nei palazzi aristocratici per un ristretto numero di spettatori aristocratici. . .

L’opera italiana ha la storia più lunga e illustre di qualsiasi altro genere musicale operistico al mondo.
L’opera italiana ha la storia più lunga e illustre di qualsiasi altro genere musicale operistico al mondo.

Le origini

Il melodramma è stato rappresentato per la prima volta negli atti “intermedi” di una commedia “dramma pastorale” o “tragicommedia”, in cui alcuni personaggi partecipavano all’azione drammatica esprimendosi attraverso il canto o suonando strumenti. È qui che è stato coniato il termine “melodramma”.

l’importanza dell’opera italiana per l’apprendimento della lingua e della civiltà italiana.

I primi librettisti e musicisti che misero in musica alcune opere teatrali, dando impulso al melodramma, scelsero gli stessi temi delle opere citate, poiché una figura realistica non poteva che appartenere al mondo magico e perfetto dell’Arcadia.

Nel 1594, il librettista Dafne concepì un’ambientazione fiorentina per la storia pastorale, che sarebbe diventata la prima opera lirica eseguita esclusivamente in musica. Nello stesso periodo, un gran numero di altri compositori riconobbe pubblicamente l’importanza del proprio contributo alla crescita della modalità di rappresentazione emergente.

Emilio de’ Cavalieri affermò nel 1600 di aver composto tre pastorali che furono messe in musica tra il 1590 e il 1596. Allo stesso tempo, Giulio Caccini pubblicò frettolosamente la sua opera prima che venisse eseguita.

Euridice Il recitativo era regolato dalle seguenti norme di versificazione, che Peri e Caccini avevano scoperto da soli nel libretto di Rinuccini e alle quali si attennero per un tempo considerevole: un legame eccessivamente sillabico tra il testo e la musica; un ritmo erratico e sorprendentemente paragonabile al parlato; la propensione della melodia ad adottare un movimento a gradi congiunti; una pronuncia vocal-virtuosistica.

l’Università Italiana: Opera

Fu a Venezia, con l’apertura del primo teatro d’opera pubblico, il Teatro San Cassiano (nel 1637), che questo genere artistico si affermò ovunque e non fu più destinato a un gruppo ristretto di intellettuali e aristocratici, assumendo così un carattere di intrattenimento.

Come diretta conseguenza di ciò, Venezia fu un polo cruciale per la diffusione dell’opera nel campo della musica. In questo periodo l’opera italiana era popolare in tutto il mondo, in particolare nelle regioni transalpine dell’Europa centrale, soprattutto a Praga, che all’epoca fungeva da capitale del Regno di Boemia.

Questa tendenza era piuttosto importante, nonostante il fatto che solo poche famiglie benestanti frequentassero i teatri per qualcosa di diverso dalla commedia.

Questo perché l’opera si stava progressivamente orientando verso una visione più commerciale della musica. I temi delle nuove opere in musica erano spesso derivati dalla storia romana e dai racconti della guerra di Troia; tuttavia, le relazioni amorose e le storie d’amore non erano assenti dal repertorio.

Questo per mettere in risalto le ambizioni eroiche e il nobile pedigree dello Stato veneziano. Le opere in musica sono tipicamente composte da tre atti, in contrapposizione ai cinque atti che erano comuni nelle opere reali. Essendo “tratte” dal recitativo, le linee melodiche leggere, dette arie cavate, sono spesso utilizzate nei periodi di maggiore intensità emotiva.

Questo nonostante il fatto che il recitativo rappresenti ancora una parte significativa della versificazione. Le scene delle commedie sono tipicamente caratterizzate da giovani, damigelle e altri personaggi umoristici che agiscono in edifici chiusi.

Cantanti lirici come Claudio Monteverdi, Francesco Cavalli, Antonio Cesti e Giovanni Legrenzi furono tra coloro che diedero i contributi più significativi allo sviluppo e all’espansione dell’opera veneziana.

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L’educazione in epoca romana

All’inizio del XVII secolo, Giulio Rospigliosi, che sarebbe poi diventato Papa Clemente IX, era all’apice della società romana. Giulio Rospigliosi era anche il prelato e librettista preferito dalla famiglia toscana dei Barberini.

Il nuovo stile di intrattenimento prese rapidamente piede a Roma.   I poemi cavallereschi, generalmente scritti da Ludovico Ariosto e Torquato Tasso, così come quelli presi in prestito dall’agiografia cristiana e dalla commedia dell’arte, erano la forma di poesia preferita, in opposizione a quelli della tradizione pastorale e dell’Arcadia.

A partire dagli anni Trenta del XVII secolo e in seguito, si assiste a un cambiamento evidente nei temi trattati nelle opere. Si moltiplicano anche le trame drammatiche che accompagnano il crescente numero di personaggi.

Inoltre, si sviluppò un nuovo stile di intonazione per i versi recitativi.

Questo nuovo stile era più adatto ai diversi sviluppi narrativi ed era più ricco di parentesi rispetto alla forma paratattica che era stata caratteristica delle prime opere fiorentine. Si nota un sensibile aumento del numero di arie tecnicamente impegnative, ma ricche di effusioni liriche.

spettacolo

Gli elementi chiave dell’opera veneziana tradizionale sono

Quando l’opera arrivò nella Repubblica di Venezia, seguì un percorso significativamente diverso. Il Teatro di San Cassiano, fondato nel 1637 da Benedetto Ferrari e Francesco Manelli, fu il primo teatro d’opera pubblico al mondo. Il successo dell’opera la fece passare dal sostegno dell’aristocrazia a quello del settore commerciale.

A Venezia, il teatro musicale si trasformò da una forma d’arte per privilegiati a qualcosa che poteva piacere a tutti. I teatri d’opera cominciarono a sorgere in tutta la città in tempo per la stagione del Carnevale, dove si esibivano per i clienti paganti.

Per contenere i costi, i teatri d’opera spesso utilizzavano solo una piccola orchestra. Spendevano molto per ingaggiare i migliori cantanti dell’epoca, segnando l’inizio dell’era del castrato e della primadonna.

Monteverdi, trasferitosi da Mantova alla Repubblica di Venezia nel 1613, fu il compositore preminente della prima opera veneziana, mentre altri nomi di rilievo del genere includono Francesco Cavalli, Antonio Cesti, Antonio Sartorio e Giovanni Legrenzi. Ci sono tre opere di Monteverdi che sono state eseguite in teatri pubblici.

Azione maniera di drammi: Libro pagine sull’opera

La genesi della Scuola Napoletana di Musica può essere fatta risalire all’area di Napoli, che nella prima metà del XVI secolo fu luogo di nascita di una cultura profondamente radicata della composizione e dell’esecuzione musicale.

Quest’ultima era destinata a diventare un centro di riferimento intellettuale e culturale per tutta l’Europa, raggiungendo il suo apice nel XVIII secolo, quando si ritiene che abbia dato impulso allo sviluppo dell’opera buffa e dell’opera comica.

A metà del XVI secolo, la città vide l’inizio della fondazione dei primi conservatori, che sarebbero poi diventati importanti istituzioni nel panorama musicale europeo. 

Italia Canzoni: Cultura popolare italiana conosciute e amate da tutti.
Italia Canzoni: Cultura popolare italiana conosciute e amate da tutti.

State per leggere un articolo che vi fornirà un elenco delle migliori canzoni italiane di tutti i tempi.

Probabilmente sarete d’accordo sul fatto che ci sono alcune canzoni che sono state scritte nel corso della storia della musica che trasmettono sentimenti così forti da diventare canzoni conosciute in tutto il mondo.

Inoltre, probabilmente sapete già che la musica è un fantastico punto di ingresso per comprendere e conoscere la cultura di una regione, e l’italiano non fa eccezione a questa regola.

Inoltre, possono aiutarvi a migliorare le vostre capacità linguistiche, soprattutto se conoscete già alcune canzoni, il che rende molto più semplice imparare le parole e cantare insieme alla musica.

Cantare a squarciagola è una cosa che gli italiani amano fare. Pertanto, non possiamo pensare a un approccio migliore per trasmettere le vostre conoscenze culturali e la vostra capacità di comunicare in italiano attraverso la musica! Ora ci dedichiamo a un po’ di Italia canzoni.

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Italia canzoni: Funiculì funiculà

Se avete familiarità con la musica italiana popolare, probabilmente avrete già sentito questa canzone; probabilmente non ne conoscevate il nome.

Si tratta di una spiritosa canzone in dialetto napoletano scritta da Luigi Denza e ispirata all’apertura di una funicolare per raggiungere la vetta del Vesuvio.

Da quando è stata pubblicata per la prima volta, ha visto una notevole quantità di adattamenti e registrazioni. È apparsa in film, programmi televisivi e opere teatrali, oltre che in videogiochi, anime e pubblicità.

L’interpretazione cantata da Luciano Pavarotti è probabilmente la più nota di tutte.

“O solo mio”, che si traduce in “la mia luce del sole” (1898)

È possibile che questa canzone sia il brano napoletano più conosciuto in tutto il mondo.

Il sole è una componente essenziale di Napoli.

È stata cantata e registrata da un gran numero di cantanti, e l’interpretazione di Luciano Pavarotti di “O sole mio” gli è valsa il Grammy Award per la migliore interpretazione vocale classica nel 1980.

Inoltre, Elvis Presley ha ricevuto una motivazione inequivocabile per la sua Now or never is the only option.

Trascendeva i confini della musica, come dimostra il fatto che lo scrittore Marcel Proust l’ha inclusa nel suo libro “Alla ricerca del tempo perduto”.

Vuoi essere americano – Questo film uscì nel 1956

Fu un grande successo in tutto il mondo grazie alla combinazione di swing e jazz.

Per partecipare a un concorso radiofonico, Nicola “Nisa” Salerno scrisse e presentò a Renato Carosone tre poesie da mettere in musica.

Dopo aver letto il testo di Nicola, Carosone impiegò solo quindici minuti per scrivere quella che sarebbe diventata una delle canzoni più famose mai uscite dall’Italia.

L’interpretazione diffusa dell’opera è che si tratti di una parodia dell’americanizzazione della cultura rurale e tradizionale italiana avvenuta nei primi anni del secondo dopoguerra.

Parla di un giovane che, nonostante dipenda economicamente dai suoi genitori, cerca di vivere come se fosse un americano, praticando attività come fumare sigarette Camel, ballare musica rock ‘n roll, giocare a baseball e bere scotch e soda alle feste.

Volare, nel blu dipinto di blu è una canzone italiana scritta nel 1958. Si traduce con “volare, nel blu dipinto di blu”.

Si ritiene che questo argomento sia stato trattato almeno cento volte. Ci sono anche canzoni di Frank Sinatra, Barry White, Pavarotti e Louis Armstrong, tra gli altri.

Domenico Modugno, cantante e compositore, collaborò con Franco Migliacci, che stava passando il tempo in attesa dell’arrivo di Domenico per andare al mare.

Franco iniziò a bere vino e alla fine si addormentò, sognando cose terrificanti. Si svegliò e guardò i quadri appesi alla parete. Il primo, intitolato “Le coq rouge”, raffigurava un ragazzo vestito di giallo che penzolava a mezz’aria. Il secondo, intitolato “Le peintre et la modelle”, raffigurava un pittore con il volto colorato di blu.

Per questo motivo, iniziò a scrivere di un uomo che aveva la fantasia di far diventare la sua pelle blu e di ottenere la capacità di librarsi in aria.

lucio battisti

Cuando, quando, quando Il 1962 è l’anno in questione.

In quell’anno, questa canzone ebbe un grande successo in tutto il mondo.

È stata resa in spagnolo, tedesco, portoghese e vietnamita, oltre che in inglese.

È apparsa in diversi film, tra cui After Hours, The Blues Brothers e Superman Returns, per citarne alcuni. “

È una canzone in stile bossa nova/samba, il cui testo originale è stato scritto da Alberto Testa. La musica è stata composta da Tony Renis, che ha scritto e prodotto molte canzoni famose per artisti come Tiziano Ferro, Julio Iglesias, Andrea Bocelli, Diana Ross, Lionel Richie, ecc.

“Parole, Parole” del 1972

La canzone fu inizialmente eseguita e interpretata da Mina e Alberto Lupo. Nel 1973, la canzone fu tradotta in francese e interpretata dal duo Alain Delon e Dalida. Divenne un successo in tutto il mondo e Céline Dion ne ha persino fatto una cover.

Questa canzone intreccia il lutto della cantante sulla morte dell’amore con le falsità che il cantante maschile, che la completa in continuazione, deve dirle. Anche la cantante donna canta una parte della canzone. La donna respinge le lodi che lui le offre, sostenendo che non sono altro che parole vuote (parole).

Sono disponibili traduzioni in diverse lingue.

Gloria – 1979

Umberto Tozzi, autore del testo originale della canzone, descrive il suo sogno come un sogno in cui si trova con una donna immaginaria di nome Gloria.

La versione interpretata dalla cantante americana Laura Branigan ha raggiunto la posizione numero due della classifica Billboard Hot 100 negli Stati Uniti.

Il testo racconta la storia di un ragazzo che passa le sue giornate a tormentarsi, ma che trova sfogo nei suoi sogni ogni volta che pensa a Gloria.

Si dice che la fonte dell’immaginazione di Gloria sia la curiosità, non la fantasia, e che lei sia chiamata la regina dell’immaginazione. Continua spiegando che Gloria è sempre stata libera da lui, così come lui stesso è sempre stato libero dalla realtà della situazione.

Tuttavia, afferma che non hanno mai parlato con Gloria, quindi non hanno idea di cosa stia parlando.

Nonostante l’opposizione di tutti, il ragazzo decide di passare tutta la vita a cercare Gloria per raggiungere l’obiettivo di realizzare le sue aspirazioni.

Come la musica aiuta le persone ad avere successo

Secondo uno studio dell'Università dell'Illinois, la musica aumenta la produttività in qualsiasi lavoro del 6,3%. Inoltre, uno studio condotto da Laura Ferreri, psicologa cognitiva dell'Università di Lione, ha rilevato che quando una persona ascolta la sua musica preferita, il suo corpo produce più dopamina. Questo ormone è fondamentale per il successo, in quanto influisce su memoria, motivazione, attenzione, creatività e umore.

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Allo stesso tempo, un altro studio ha dimostrato che la musica riduce la concentrazione dell'ormone dello stress, il cortisolo, che previene lo stress e la tensione nervosa. Le persone che ascoltano 45 minuti di musica classica prima di andare a letto dormono e si svegliano più leggere e sveglie. Inoltre, secondo lo studio, molte persone trovano che suonare strumenti musicali sia utile al lavoro. Dopo aver suonato, le persone trovano nuove energie per continuare a fare quello che fanno. Forse è per questo che suonare strumenti musicali sta diventando sempre più popolare tra i top manager e gli imprenditori.